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| Un museo enfocado en poner en relieve el arte marginal y alternativo |
Como apasionada del arte, siempre incluyo en mis viajes visitas a los museos nacionales y aquellos que albergan obras de los artistas más representativos de cada país. A lo largo de los años, he recorrido los museos más importantes del mundo, pero ninguno me ha hecho reflexionar tanto como el Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres de Montpellier. Aún sigo cuestionándome: ¿cuándo empieza una obra a llamarse arte? ¿Qué material, técnica o soporte determina que algo sea considerado arte? Si después de leer este artículo y observar las obras que lo acompañan, te haces las mismas preguntas, o si alguna vez visitas este museo, agradeceré intercambiar impresiones sobre ello.
Qué es el Art Brut
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| El Art Brut es un arte al margen de la sociedad y de la crítica artística |
El Art Brut es un arte creado
por personas autodidactas que a menudo viven al margen de la sociedad, ya
sea como almas rebeldes o como individuos alejados de los valores y normas
colectivas. Entre ellos encontramos prisioneros, residentes de instituciones
psiquiátricas, excéntricos, solitarios y marginales para quienes la expresión creativa existe por sí misma,
sin preocuparse por la crítica del público o las opiniones externas.
Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres
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| El Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres se encuentra en la casa-taller de Fernand Michel |
Fundado hace más de 50 años por Fernand
Michel, un artista decididamente fuera de lo convencional y situado en
la frontera del Art Brut. Este artista
fue reconocido por sus obras
extremadamente originales, realizadas sobre zinc oxidado de manera natural,
en este mismo lugar. Con el objetivo de preservar la obra de su padre y
perpetuar su memoria, Patrick y Denys Michel decidieron en 2004 poner en
valor el lugar de creación de Fernand
Michel. La filosofía fue reunir la mayor cantidad posible de obras de Art Brut de genios creativos conocidos
mundialmente.
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| Un espacio cultural diferente, fuera de lo común, notable y destacado |
Doce años fueron necesarios para
reunir más de 2000 obras de 250
creadores, de las cuales 800 están expuestas actualmente en las paredes del
Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres de Montpellier. Este museo ofrece una visión única de los diferentes
creadores de Art Brut, Art Singulier y otros visionarios,
surrealistas de varios países, desde la época "histórica" de
principios del siglo XX hasta el Art
Outsider internacional contemporáneo. La colección destaca a creadores completamente autodidactas,
ajenos a toda formación artística convencional, que en su mayoría viven en
entornos cerrados: centros psiquiátricos, penitenciarios, o al margen de la
sociedad.
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| Las obras de Art Brut son extrañas, espontáneas, instintivas y evocan emociones profundas |
Las obras de Art Brut, se caracterizan por ser
extrañas, espontáneas e instintivas,
están abiertas a la vida interior y portan, sin saberlo, una forma embrionaria
de espiritualidad y de estado anímico. En ellas puede verse el horror, la
nostalgia, el miedo, la locura, la inocencia y la fuerza creativa. Fuertemente
inventivas, estas creaciones son muy personales, sorprendentes y conmovedoras,
nacidas en la ignorancia total de la
cultura establecida, y no dejan a
nadie indiferente. Algunos de los artistas expuestos en el Musée d’Arts
Brut, Singulier et Autres de Montpellier, son:
Fernand Michel
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| Paisajes en placas de zinc de Fernand Michel |
Fernand Michel (1913-1999) fue un artista francés cuyo trabajo se
centró en el uso innovador del zinc.
Inicialmente trabajó como encuadernador en Montpellier, y fue a partir de 1956 que
comenzó a crear paisajes y ensamblajes
con placas de zinc oxidadas. Sus obras combinaban tonos y texturas como una
marquetería moderna, utilizando la
oxidación como guía en sus composiciones. A partir de los años 60, sus
creaciones, que incluían temas eróticos y retratos familiares, se expusieron
ampliamente. Michel, asociado al Art Brut, exploró un imaginario donde lo
profano y lo sagrado coexistían. Su obra es apreciada en Francia y Alemania, y es reconocida internacionalmente.
André Labelle
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| “Les Martiens” de André Labelle (1993) |
André Labelle (1934) es un artista francés de Villeneuve-sur-Lot.
Comenzó como jardinero municipal, pero su pasión por la pintura y el dibujo lo
llevó a crear obras únicas. Inicialmente trabajó con la naturaleza, pero luego
cambió su enfoque para dejar surgir espontáneamente criaturas extrañas, a las que llama "Martiens". Utiliza marcadores, lápices y acrílicos
sobre diversos soportes, limitando su paleta
a cuatro o cinco colores: azul, rojo, negro, ocre amarillo y a veces verde.
Sus obras, semejantes a un puzle colorido, presentan criaturas con ojos prominentes y patrones como escamas, círculos y
espirales.
André Robillard
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| Desde 1964, Robillard crea obras a partir de objetos recuperados del vertedero de basura |
André Robillard (1931) creció cerca de Orléans, Francia. Tras la
separación de sus padres, fue internado en la escuela especial Bourneville y a
los diecinueve años, fue ingresado como paciente en un hospital psiquiátrico.
Trabajó en diversas tareas y en una planta depuradora, lo que le otorgó cierta
independencia y un espacio donde almacenaba sus creaciones. Desde 1964, construye armas, naves espaciales y
sputniks con materiales reciclados como latas, bombillas viejas y tubos de
plástico. También es un prolífico dibujante
con rotuladores y lápices de colores.
Antoine Rigal
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| Rigal pinta y dibuja sus inquietudes, aspiraciones y vivencias dolorosas |
Antoine Rigal (1966) es un pintor, poeta y músico francés conocido
por su estilo narrativo que recuerda a una historieta de cómic. Comenzó a
pintar en 1988 y ha expuesto en Rennes, Laval, Saffré y Le Mans. Sus obras
incluyen dibujos, bajorrelieves y
trípticos pintados con una mezcla de humor y amargura. Rigal se ha convertido en una "galería viviente"
tatuándose obras de sus artistas favoritos en su cuerpo. En 2022, publicó un
fanzine de pintores autodidactas titulado "2
Mains, la liberté!" en honor a los héroes de la marginalidad.
Christine Sefolosha
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| Sefolosha dibuja su universo interior, lleno de quimeras y fantasmas |
Christine Sefolosha (1955), nacida en Suiza, es una artista que
comenzó a pintar intensamente tras separarse de su segundo esposo. Su obra,
influenciada por su tiempo en Sudáfrica y su retorno a Suiza, ha sido exhibida
en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas. Entre los lugares
destacados donde ha mostrado su trabajo se encuentran la Cavin Morris Gallery
en Nueva York, el American Visionary Art Museum en Baltimore y la Halle
Saint-Pierre en París. Sefolosha
destaca por un estilo marcado por sus
vivencias personales y culturales, reflejando una profunda conexión con sus
experiencias de vida.
Claudine Goux
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| Goux considera su proceso creativo como una forma de concentración meditativa |
Claudine Goux (1945) es una artista francesa nacida en Niort en una
familia de docentes. Comenzó a pintar y dibujar en 1971, y en su primera
exposición personal en 1978 ya había desarrollado su estilo distintivo: un universo de seres imaginarios en colores
vivos, fusionando arte primitivo y ciencia ficción. Influenciada por Dubuffet, su trabajo incluye dibujo,
pintura, grabado, trípticos y pirograbado en los marcos. Utiliza una técnica de coloreado, llenando superficies
con colores o formas recortadas.
Eric Gougelin
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| Gougelin se inspira en el arte funerario y los dioses antiguos |
Eric Gougelin (1966) nacido en Bondy, Francia, es un artista
apasionado por las civilizaciones
antiguas, especialmente Egipto. Desde joven, su interés por el arte y los
rituales de estas culturas lo llevó a estudiar momias, tatuajes y el cuerpo humano. Se autodefine como “Nouveau Primitif”, reinterpretando
sensaciones y actos de arte antiguo. Gougelin
utiliza técnicas mixtas que incluyen vegetales,
conchas, papel maché, botones y materiales reciclados, y practica la
escultura, el modelado, el dibujo y la pintura al óleo. Su obra es una mezcla de influencias ancestrales y una
exploración profunda de su identidad artística.
Fleury-Joseph Crépin
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| La obra de Crépin es valorada por su misticismo y perfección técnica |
Fleury-Joseph Crépin (1875-1948) fue un pintor-médium francés,
nacido en Hénin-Liétard. Ejerció como fontanero y quincallero, y fue iniciado
en el espiritismo en 1930. Sus pinturas,
inspiradas por visiones y sueños, representan templos con una simetría hipnótica y detalles similares a bordados
litúrgicos. Utilizaba una técnica
secreta de gotas perladas para crear composiciones precisas y coloridas.
Convencido de su poder para detener la guerra, predijo el fin de la Segunda
Guerra Mundial con su 300° cuadro, fechado el 7 de mayo de 1945. A su muerte,
en 1948, sus bocetos fueron enterrados con él.
Giovanni Battista Podestà
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| Podestà creó todo tipo de esculturas con fragmentos de espejos y papel metálico recuperados |
Giovanni Battista Podestà (1895-1976), nacido en una familia
campesina de Lombardía, Italia, dejó la escuela a los diez años para trabajar y
ayudar a su familia tras la muerte de su padre. Participó en las dos guerras
mundiales y, tras la primera, se trasladó a Laveno, donde trabajó como policía
y obrero. Podestà creó esculturas multicolores y relieves
utilizando fragmentos de espejos y papel metálico, integrando motivos culturales, populares y religiosos
medievales. Su obra, con fuerte
contenido simbólico, protestaba contra la pérdida de valores espirituales
en una sociedad materialista.
James Harold Jennings
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| Jennings creaba coloridas esculturas de madera y señales rústicas |
James Harold Jennings (1931-1999) fue un artista autodidacta de
Pinnacle, Carolina del Norte. Tras dejar su empleo debido a una enfermedad
nerviosa en 1968, comenzó su carrera artística tras la muerte de su madre en
1974. Jennings creó esculturas y objetos usando madera de desecho,
destacándose por sus colores primarios
vibrantes y formas excentrícas, muchas con componentes cinéticos movidos
por el viento. Sus obras incluían temáticas de mitologías, culturas indígenas y escenas con mujeres dominantes. Sus
trabajos se exhiben en museos importantes como el Birmingham Museum of Art y el
American Visionary Art Museum.
Jean Tourlonias
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| Tourlonias creó un universo de coches imaginarios inspirado en televisión y revistas |
Jean Tourlonias (1937–2000) nació en Cébazat, un pequeño pueblo
cerca de Clermont-Ferrand, Francia, en una familia campesina. Comenzó a pintar
en su tiempo libre, pero la falta de interés lo llevó a abandonar temporalmente
la pintura. Aficionado a los deportes de motor, empezó a pintar máquinas poderosas surgidas de su imaginación. En 1986, su
obra atrajo la atención de entusiastas del arte que le hicieron encargos.
Considerándose un artesano, pintaba principalmente coches de carreras, combinando dibujos con eslóganes publicitarios y dedicatorias a celebridades
televisivas o patrocinadores.
Jean Vodaine
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| Vodaine trascendió las fronteras entre la figuración y la abstracción |
Jean Vodaine (1921-2006), nacido como Frédéric Vladimir Kaucic, fue un tipógrafo, poeta, pintor y editor
francés de origen esloveno. En su juventud, trabajó en diversos oficios
mientras desarrollaba su pasión por la literatura y el arte. Vodaine
pintó incansablemente la vida, las
mujeres, las flores, los lugares amados y los seres admirados. Capturó la
esencia de lo cotidiano, lo prosaico y el deseo en un universo flamante y
secreto. Su paleta única libera colores
intensos y sutiles. Sus pinturas nos
sumergen en la alegría y el bullicio de la existencia, mientras nos enfrentan a
la nostalgia de lo que se va y al enigma de lo incomprensible.
Joaquim Baptista Antunes
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| Antunes empezó a dibujar caricaturas en su juventud, inspiradas por Chagall y Picasso |
Joaquim Baptista Antunes (1953) es un artista portugués autodidacta
cuyo trabajo fusiona elementos de la
naturaleza con lo humano, lo fantástico y lo irreal. Su estilo se
caracteriza por colores vivos y
armoniosos, que recuerdan a Niki de
Saint Phalle, pero con una resonancia más natural. Antunes utiliza materiales
reciclados como madera flotante para crear esculturas polícromas, destacando figuras mitológicas y escenas de fantasía. Su obra, expuesta internacionalmente,
celebra la imaginación y cuestiona la representación artística, liberando la
mirada y el pensamiento de convencionalismos
estéticos.
Jules Godi
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| Godi creó sus pinturas guiado por un péndulo |
Jules Godi (1902-1986), nacido en Draguignan, Francia, de
ascendencia italiana, trabajó de albañil y fue autodidacta en radiestesia y apasionado por lo sobrenatural. Su
originalidad radica en aplicar sus conocimientos a la pintura, guiado por un péndulo que dicta la
dirección del trazo y la elección de materiales. Las fuerzas ocultas que
dirigen su mano crean coloridas
"arquitecturas" y símbolos iniciáticos en cartones, telas o
contrachapados. Su estilo refleja una fusión entre ciencia y misticismo, donde la intuición y la conexión con lo invisible
guían su arte, revelando un mundo de significados más allá de lo tangible.
Luboš Plný
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| La obra de Plný explora profundamente el cuerpo humano y su fugacidad |
Luboš Plný (1961) nacido en la República Checa, es un artista brut conocido por sus dibujos anatómicos detallados y fantásticos.
Fascinado por la descomposición y la disección, utiliza tinta china y acrílico, a menudo incorporando materiales
orgánicos. Su interés en el dibujo y la anatomía surgió en su infancia.
Tras un periodo en un hospital psiquiátrico, estudió literatura médica y
trabajó como modelo en la Academia de Bellas Artes de Praga. Plný considera que dibujar sus órganos le permite meditar sobre los límites de su
existencia física, creando estudios anatómicos extremadamente codificados.
Su fascinación por la descomposición y la disección se refleja en su arte, donde
combina precisión y fantasía.
Pascal Verbena
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| Las obras de Verbena contienen puertas, cajones y huecos con figuras abstractas escondidas |
Pascal Verbena (1941), nacido en Marsella, comenzó a crear arte
después de abandonar la marina mercante y trabajar en el servicio postal.
Influenciado por su entorno marino, recolectaba
maderas flotantes para crear ensamblajes y esculturas mecánicas con puertas,
cajones y cavidades, donde criaturas extrañas parecían estar atrapadas. Con el
tiempo, su trabajo se volvió más abstracto, utilizando restos de madera de barcos, cortezas y
piedras. Ha participado en numerosas exposiciones importantes, como "Singuliers de l'Art" y "Outsiders".
Pepe Doñate
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| Doñate busca que su trabajo enseñe, emocione o distraiga |
Pepe Doñate (1949) es un artista del Maestrazgo que se dedica
principalmente a la pintura. Anteriormente, combinó su oficio de peluquero con
la organización de exposiciones y la fotografía. También investigó la historia
del arte, logrando ser miembro de la Asociación Internacional de Crítica de
Arte. Su obra, caracterizada por la representación de animales, reales e imaginarios, en constante movimiento, es
vigorosa y llena de carácter. Doñate
se asocia con la tendencia del "art
hors normes". Su bestiario
imaginario, creado en superficies rugosas, refleja su habilidad mágica y su
conexión con raíces ancestrales.
Pierre Corneille
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| Corneille fusionó teatro y pintura en lienzos intensos y precisos |
Pierre Corneille (1922-2010), nacido en Bélgica como Guillaume Cornelis van Beverloo, fue un
destacado pintor, grabador, escultor y ceramista neerlandés. Influido por el surrealismo, su obra
evolucionó desde la abstracción hacia la figuración, reflejando su pasión por la naturaleza y sus viajes
por África, América del Sur y México. Miembro fundador del movimiento Cobra, su
arte expresionista se inspira en la exuberancia de la naturaleza y las culturas
que exploró. A lo largo de su carrera, participó en numerosas exposiciones y
desarrolló una amplia obra gráfica.
Pierre Ledda
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| Ledda, escultor autodidacta, destacó en Marsella con su obra metalúrgica |
Pierre Ledda (1914-1994), nacido en Marsella, fue un destacado
escultor francés cuya obra refleja formas audaces y una singular mitología. Su
famoso "Bestiaire" de metal soldado, creado en 1955, marcó
un hito en su carrera, siendo el tema de un cortometraje de Gaumont Actualités.
Influenciado por su compatriota César,
Ledda se destacó por su estilo desinhibido y su búsqueda
artística audaz. Su obra, que incluye pinturas, esculturas y poesía, representa
una vida dedicada al arte. Hoy en día, Ledda
es reconocido como uno de los grandes escultores de su tiempo, dejando un
legado artístico significativo.
Pradeep Kumar
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| Kumar talla palillos de dientes y cerillas sin hacer ningún boceto previo |
Pradeep Kumar (1973), de la India, nació sordo y mudo,
enfrentándose a un mundo de silencio y marginación. Descubierto por su
habilidad para esculpir con precisión
asombrosa, utilizando solo una cuchilla de afeitar y más tarde añadiendo
color. Sus obras, detalladas y vibrantes, han sido exhibidas y premiadas en
India y en museos internacionales como el Museo Gaia de Arte Outsider en
Dinamarca y el Museo del Doctor Guislain en Bélgica. Su arte, surgido del aislamiento y la adversidad, trasciende las
barreras de la comunicación, transmitiendo emociones y experiencias a través de
la belleza de sus esculturas y la vivacidad de sus colores.
Raymond Reynaud
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| Reynaud, figura del Art Brut, creó una obra densa y exuberante a lo largo de su vida |
Raymond Reynaud (1920-2007), nacido en Salon-de-Provence, comenzó
como aprendiz de pintor en edificios y estudió en la Escuela de Bellas Artes de
su ciudad natal. A los 28 años, se estableció como artesano-pintor en Sénas,
hasta que problemas cardíacos le obligaron a dejar el oficio en 1963. En 1968,
inspirado por los artistas naifs yugoslavos y Gaston Chaissac, retomó la pintura. Reynaud trabajó temas como los pecados
capitales y el circo, y creó esculturas
con materiales de desecho. Realizó dos polípticos monumentales basados en "Jean de Florette" y "Don Quijote". Exponía sus
obras en su casa-museo en Sénas, homenajeando a artistas afines.
Rosemarie Koczý
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| Koczý refleja en su obra la crueldad humana presenciada en su infancia |
Rosemarie Koczý (1939-2007) fue una artista germano-estadounidense
que sobrevivió a los campos de concentración nazis. Tras aprender costura en
Alemania y estudiar en la Escuela de Artes Aplicadas de Ginebra, emigró a
EE.UU. en 1979. Influenciada por su experiencia en los campos de concentración,
su obra artística, iniciada en 1975, se centra en representar los horrores y las víctimas del nazismo. Trabajó
inicialmente con pasteles y luego con tinta negra, creando obras de gran
formato y series de pequeñas imágenes. Su trabajo ha sido exhibido en importantes
museos y ha recibido numerosas distinciones, recordando los crímenes del
nacional-socialismo.
Théo Wagemann
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| Wagemann firmaba sus trabajos con letra gótica y los enviaba a su familia en sobres pequeños |
Théo Wagemann (1918-1998) nació en un pequeño pueblo cerca de
Aquisgrán, Alemania. Tras un incidente con oficiales de aduanas a los doce
años, se volvió retraído y comenzó a dibujar caricaturas de clérigos. Durante la Segunda Guerra Mundial, escapó
del programa nazi de exterminio de enfermos mentales gracias a su médico,
aunque fue sometido a esterilización forzada. A los 61 años, fue internado por
su familia y se dedicó al dibujo, usando papel
de pergamino y lápices de colores. Sus obras, principalmente retratos de
Hitler y dignatarios nazis acompañados de consignas
xenófobas, también incluían escenas
bíblicas.
Más información: Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres. Dirección: 1 Rue Beau Séjour,
34000 Montpellier. Teléfono: +33 67 79 62 22. Horario: Abierto de miércoles a
domingo de 10 a 13 h y de 14 a 18 h. Cerrado lunes, martes y días festivos.
Entrada: 8 €. Transporte: Tranvía línea 2, parada Beaux Arts. Web: Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres.
A 200 metros del Musée d’Arts Brut, Singulier et Autres se encuentra el Museo de Arte y Fertilidad que muestra una fascinante colección sobre la gestación humana, a través de los siglos y culturas del mundo.
Quisiera expresar mi más sincero
agradecimiento a Patrick Michel,
director del Musée d’Art Brut de Montpellier, por abrirnos las puertas del
museo mientras montaba la nueva exposición temporal. Su amabilidad al
acompañarnos en el recorrido, enseñándonos las obras y explicándonos los
detalles de cada uno de los artistas, fue inigualable. Gracias a su atenta
guía, he profundizado mi conocimiento y admiración por este estilo y el trabajo
de estos extraordinarios artistas.
Toda la información generada en
redes sociales de mi viaje a Montpellier puede consultarse a través de los hashtags #MontpellierNow y #VivezMontpellier
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